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Les sorties

WOLFS

 

 

Le film « Wolfs » (2024) avec Brad Pitt et George Clooney , avec ces deux acteurs de renom. Voici ce que l’on sait de ce film jusqu’à présent :

Synopsis :

« Wolfs » est un thriller policier qui se concentre sur deux détectives privés, interprétés par Brad Pitt et George Clooney, engagés pour la même affaire. L’intrigue tourne autour d’un mystérieux cas qui se complique, mettant en scène un jeu de manipulation, d’intrigues et de tension alors qu’ils poursuivent un criminel insaisissable à travers la ville.

Thèmes :

Le film explore des thèmes classiques du thriller policier, comme la rivalité entre détectives, la corruption, et la chasse à un criminel. Avec Pitt et Clooney, on peut s’attendre à une dynamique de camaraderie teintée d’humour, tout en explorant des moments de tension et de drame intense.

Réalisateur :

Le film est écrit et réalisé par Jon Watts, connu pour avoir réalisé la récente trilogie de Spider-Man (avec Tom Holland) ainsi que le film d’horreur indépendant Clown. Watts est un cinéaste talentueux qui a prouvé sa capacité à équilibrer action, tension et émotion. Son implication dans « Wolfs » apporte une certaine attente quant à la qualité de la réalisation.

Production :

Brad Pitt et George Clooney sont également producteurs du film via leurs sociétés respectives Plan B Entertainment et Smokehouse Pictures. Cela montre leur implication directe dans le projet, ce qui laisse supposer qu’ils ont un intérêt particulier pour l’histoire et son potentiel.

Tonalité :

Le film devrait combiner des éléments de thriller tendu avec une bonne dose d’humour, étant donné les précédents projets collaboratifs entre Brad Pitt et George Clooney, notamment la série des Ocean’s. Cependant, « Wolfs » semble avoir une atmosphère plus sombre et plus sérieuse que leurs collaborations précédentes.

Date de Sortie :

Date de sortie 24 septembre.Ce projet est notamment soutenu par Apple Studios, ce qui pourrait signifier qu’il sortira à la fois en salles et sur la plateforme Apple TV+.

En résumé, « Wolfs » est un thriller policier ambitieux qui met en vedette deux des plus grandes stars d’Hollywood dans une histoire de suspense et de mystère. La combinaison de Pitt, Clooney et Watts en fait un projet à surveiller de près pour 2024.

Les sorties

MOTHER LAND

 

 

« Mother Land » (2024) est un film mettant en vedette Halle Berry, dont la sortie est très attendue. Voici un aperçu de ce que l’on sait sur ce film :

Synopsis :

« Mother Land » est décrit comme un thriller surnaturel. L’intrigue tourne autour d’une mère (interprétée par Halle Berry) et de ses fils, qui ont été traqués pendant des années par une force mystérieuse et malveillante. L’histoire se concentre sur les efforts de cette mère pour protéger ses enfants contre cette menace invisible, qu’elle croit être une entité surnaturelle. Les fils, devenant adultes, commencent à douter de la réalité de cette menace, remettant en question la santé mentale de leur mère. Cela ajoute une dimension psychologique intense au film, où le public est amené à se demander si cette menace est réelle ou si elle est le fruit de l’imagination de la protagoniste.

Réalisateur et Équipe :

Le film est réalisé par Alex Kurtzman, connu pour son travail en tant que scénariste et réalisateur dans des films de science-fiction et d’action comme Star Trek (2009) et The Mummy (2017). Kurtzman est également célèbre pour avoir co-créé des séries telles que Fringe et Sleepy Hollow.

La société de production Lionsgate est derrière ce projet, ajoutant ainsi une signature notable à la distribution et la production du film.

Thèmes et Ton :

Le film semble osciller entre les genres du thriller psychologique et de l’horreur surnaturelle, avec une forte tension familiale. « Mother Land » explorera probablement des thèmes comme la maternité, la protection parentale, la paranoïa, et le doute, tout en jouant sur l’ambiguïté entre le réel et l’imaginaire.

Sortie et Attentes :

« Mother Land » est un film très attendu dans les cercles de fans d’horreur et de suspense.Sortie le 25 septembre.

En résumé, « Mother Land » promet un mélange captivant de surnaturel, de mystère, et de drame familial, avec Halle Berry dans un rôle de mère prête à tout pour sauver ses enfants d’une menace mystérieuse.

A voir ou à revoir

The Raid 1 et 2

 

 

 

The Raid 1 (2011) et The Raid 2 (2014) sont deux films d’action indonésiens réalisés par Gareth Evans. Ils sont réputés pour leurs scènes d’action spectaculaires et leur chorégraphie de combat intense, souvent citées comme parmi les meilleures dans le genre du cinéma d’action moderne.

The Raid 1: Redemption (2011)

  • Synopsis : Le film raconte l’histoire d’une unité des forces spéciales indonésiennes qui est envoyée pour capturer un seigneur de la drogue, Tama Riyadi, dans son immeuble fortifié. Cependant, tout tourne mal lorsque les membres de l’équipe sont repérés et doivent se battre pour leur survie. Rama, un jeune policier très doué en arts martiaux (incarné par Iko Uwais), devient l’un des rares survivants et doit se frayer un chemin à travers des étages remplis de criminels.
  • Style : C’est un film intense et nerveux, avec une action quasi non-stop. Il est célèbre pour ses combats au corps à corps magnifiquement chorégraphiés, utilisant notamment l’art martial indonésien Pencak Silat. La violence y est brutale et réaliste, et le film a été acclamé pour sa réalisation viscérale et son rythme haletant.

The Raid 2: Berandal (2014)

  • Synopsis : Suite directe de The Raid, ce second film reprend l’histoire de Rama, qui, après avoir survécu aux événements du premier film, infiltre une organisation criminelle pour protéger sa famille et exposer la corruption au sein de la police. Cette fois, l’intrigue est plus complexe, intégrant des luttes de pouvoir entre gangs et explorant des thèmes plus profonds de loyauté et de trahison.
  • Style : The Raid 2 se distingue par son ambition beaucoup plus grande. Le film passe des espaces confinés du premier opus à des scènes de combat dans de vastes décors urbains, allant de courses-poursuites en voiture à des affrontements épiques dans des prisons et des clubs souterrains. Bien que l’action reste spectaculaire, The Raid 2 combine également des éléments de thriller policier et de drame criminel, offrant plus de développement de personnages et de narration que le premier film.

Impact et Réception

Les deux films ont eu un énorme succès critique et sont considérés comme des jalons du cinéma d’action moderne. Iko Uwais, le héros, est devenu une star internationale grâce à ses performances acrobatiques et son style de combat impressionnant. Quant à Gareth Evans, il est salué pour sa capacité à réaliser des scènes de combat complexes avec une clarté visuelle et un sens du rythme rare.

Comparaison des deux films :

  • The Raid 1 est plus axé sur une action pure, avec un rythme rapide et une intrigue simple mais efficace.
  • The Raid 2 offre une histoire plus élaborée, avec une action qui se développe sur une plus grande échelle et un monde criminel plus large.

Les deux films sont incontournables pour les amateurs de films d’action.

 

Les sorties

New life

 

 

NEW LIFE est un thriller d’horreur réalisé par John Rosman. Le film est le premier long métrage de Rosman et a été salué pour son mélange innovant d’horreur et de suspense. Il suit une femme mystérieuse, interprétée par Hayley Erin, en fuite, tandis que Sonya Walger incarne un « réparateur » chargé de la capturer. À mesure que les deux scénarios convergent, la situation dégénère et prend des proportions apocalyptiques. Le film a été acclamé par la critique lors de divers festivals de cinéma, notamment lors de sa première mondiale au Fantasia Fest, où il est rapidement devenu l’un des favoris des fans.

 

Les sorties

MEGALOPOLIS

 

 

Mégalopolis » est le film tant attendu de Francis Ford Coppola , l’un des cinéastes les plus célèbres de l’histoire du cinéma. Coppola, connu pour des films emblématiques tels que la trilogie Le Parrain et Apocalypse Now , travaille sur Megalopolis depuis plus de 40 ans.  Une épopée massive et ambitieuse qui traite de la vie urbaine, des idéaux utopiques et des complexités de la reconstruction d’une société.

Contexte et développement

Coppola a eu l’idée de Megalopolis pour la première fois dans les années 1980, mais le projet a connu de nombreux retards au fil des décennies. Le film est devenu célèbre pour sa longue phase de pré-production, au cours de laquelle Coppola a écrit et réécrit le scénario, réenvisageant l’histoire à plusieurs reprises. Bien qu’il ait le film en tête depuis des années, ce n’est que dans les années 2020 que Coppola a sérieusement commencé à avancer dans la production, choisissant même d’autofinancer le projet, avec environ 120 millions de dollars provenant de sa fortune personnelle.

Résumé de l’intrigue :

Bien que l’intrigue ait été largement gardée secrète, ce que l’on sait décrit le film comme une méditation philosophique et politique . L’histoire est centrée sur la grande vision d’un architecte visant à reconstruire la ville de New York en une utopie futuriste après une catastrophe. En son cœur, le film aborde les thèmes du pouvoir, de la gouvernance, du développement urbain et de l’aspiration humaine à créer une société idéale. Les premiers rapports décrivent Megalopolis comme un mélange d’ épopée romaine et de science-fiction , s’inspirant de La Cité de Dieu et de la chute de Rome, mais dans un contexte moderne.

Casting

Coppola a réuni un casting exceptionnel pour le film, qui comprend :

  • Adam Driver ( dans le rôle principal)
  • Nathalie Emmanuel
  • Forest whitaker
  • Laurence Fishburne (qui a déjà travaillé avec Coppola sur Apocalypse Now )
  • Jon Voight
  • Shia La Beouf….

Thèmes et styles

Coppola est connu pour son style radical et grandiose, et Megalopolis promet de ne pas être différent. Les premiers rapports suggèrent que le film mélange idéaux utopiques et dystopie urbaine , explorant ce qui se passe lorsque les nobles rêves de reconstruction d’une société parfaite se heurtent aux dures réalités de la politique, des luttes de pouvoir et de la nature humaine.

Comme pour tout projet ambitieux, Megalopolis a été confronté à d’importants défis de production :

  1. Financement : Malgré le statut légendaire de Coppola, de nombreux studios étaient réticents à soutenir un projet aussi risqué et aussi ambitieux. Cela a conduit Coppola à autofinancer le film, en misant sur sa vision.
  2. Retards liés à la pandémie : La production a été affectée par la pandémie de COVID-19, ce qui a entraîné des ajustements dans les calendriers de tournage.
  3. Technologie : Coppola aurait utilisé une nouvelle technologie révolutionnaire dans la réalisation du film, ajoutant ainsi à la complexité et à l’ambition de la production.

 

Conclusion

Megalopolis se veut un film audacieux et stimulant qui explore les idéaux utopiques, la nature du pouvoir et la lutte de l’humanité pour créer une société meilleure. Avec ses grandes idées, ses fondements philosophiques et la direction visionnaire de Coppola, le film a le potentiel d’être l’une des sorties les plus discutées de la décennie.

La sélection du Chacal

KILLERS OF THE FLOWER MOON

 

 

Killers of the Flower Moon est un drame historique de 2023 réalisé par Martin Scorsese, adapté du livre de non-fiction de David Grann de 2017 Killers of the Flower Moon: The Osage Murders and the Birth of the FBI. Le film raconte l’histoire vraie d’une série de meurtres brutaux de membres de la nation Osage dans l’Oklahoma des années 1920, après la découverte de pétrole sous leurs terres, faisant d’eux certaines des personnes les plus riches du pays. Les meurtres ont conduit à une enquête du FBI, marquant l’une des premières affaires majeures de l’agence.
L’histoire se concentre sur la relation entre Ernest Burkhart (joué par Leonardo DiCaprio) et sa femme Osage, Mollie Burkhart (Lily Gladstone), alors qu’Ernest se retrouve empêtré dans une conspiration orchestrée par son oncle, William Hale (Robert De Niro), pour voler la richesse des Osage par le mariage et le meurtre.
Le film examine les thèmes de la cupidité, du racisme systémique et de l’exploitation des peuples autochtones, tout en décrivant les tentatives du FBI de traduire les auteurs en justice sous la direction de l’agent Tom White (Jesse Plemons). La réalisation de Scorsese met l’accent sur la complexité émotionnelle des personnages, tout en approfondissant les implications sociétales plus larges des crimes.
Accueil critique : Killers of the Flower Moon a été largement salué pour ses performances, en particulier celles de DiCaprio, De Niro et Gladstone, ainsi que pour la réalisation de Scorsese et l’importance historique du film. Le film a été salué pour avoir mis en lumière un chapitre peu connu de l’histoire américaine, soulignant l’exploitation systémique des Amérindiens. Cependant, certaines critiques ont été formulées à propos de sa longueur et de son rythme, avec une durée de plus de trois heures.
Le film a été présenté en avant-première au Festival de Cannes en 2023 et est sorti en salles avant d’être disponible plus tard sur Apple TV+.

La sélection du Chacal

LIMBO

 

 

Limbo (2021) est un thriller policier hongkongais réalisé par Soi Cheang, adapté du roman Wisdom Tooth de l’auteur chinois Lei Mi. Le film se déroule dans un environnement urbain dystopique et suit deux policiers – le vétéran Cham Lau (Gordon Lam) et la recrue Will Ren (Mason Lee) – alors qu’ils traquent un tueur en série sadique qui mutile les femmes de la ville. À mesure que l’enquête s’approfondit, la quête personnelle de vengeance de Cham contre une ex-détenue, Wong To (Cya Liu), qui a accidentellement tué sa femme et son enfant, devient étroitement liée à l’affaire.

Ce film néo-noir est connu pour son atmosphère intensément sombre, amplifiée par sa cinématographie en noir et blanc et son décor urbain désolé. Les visuels austères, créés par le célèbre directeur de la photographie Cheng Siu-Keung, renforcent le sentiment de désespoir et de décadence du film. Limbo est une exploration visuellement brutale et violente de la culpabilité, de la rédemption et des limites de la justice.

Le film a été salué par la critique pour sa chorégraphie d’action et sa mise en scène immersive, avec des performances remarquables de Gordon Lam dans le rôle du flic tourmenté et de Cya Liu, qui a remporté le prix de la meilleure actrice aux Hong Kong Film Awards pour son interprétation de Wong To. Le film a reçu de nombreuses distinctions, notamment des nominations pour le meilleur film et le meilleur réalisateur aux Hong Kong Film Awards.

Limbo est célèbre pour sa représentation brute du crime et ses personnages tragiques et imparfaits, dans une métropole dystopique qui reflète leurs troubles internes.

La sélection du Chacal

Babylon

 

 

Babylon (2023) est un film dramatique épique américain écrit et réalisé par Damien Chazelle , connu pour ses précédents films  comme La La Land (2016) et Whiplash (2014). Babylon est un portrait grandiose et tentaculaire du Hollywood des années 1920, pendant la période de transition des films muets aux films parlants. Il examine le style de vie chaotique, excessif et glamour du début de l’ère hollywoodienne, en mettant l’accent sur l’ambition, la renommée et le coût du succès.

Résumé de l’intrigue :

Le film suit plusieurs personnages qui naviguent dans le paysage sauvage et hédoniste des débuts d’Hollywood :

  • Manny Torres (joué par Diego Calva) est un jeune immigrant qui rêve de réussir dans l’industrie cinématographique.
  • Nellie LaRoy (Margot Robbie) est une actrice en herbe ambitieuse et autodestructrice, déterminée à devenir célèbre.
  • Jack Conrad (Brad Pitt) est un acteur de cinéma muet à succès mais en déclin qui lutte pour rester pertinent dans le paysage changeant d’Hollywood.

Le film raconte leurs histoires entrelacées sur plusieurs années alors qu’ils accèdent à la gloire, connaissent les hauts et les bas de la célébrité hollywoodienne et finissent par être victimes des changements brutaux de l’industrie alors que l’ère du son transforme le cinéma.

Thèmes :

  • La transition vers le son : L’un des thèmes centraux de Babylon est le passage turbulent des films muets aux films parlants à la fin des années 1920, qui a créé à la fois des opportunités et des défis pour les acteurs, les réalisateurs et les studios. Cette transition joue un rôle clé dans l’ascension et la chute de nombreux personnages, notamment ceux comme Jack Conrad, qui ont du mal à s’adapter aux nouvelles exigences technologiques.
  • Le Prix de la renommée : Le film explore la nature destructrice de la célébrité et la fugacité du succès à Hollywood. Des personnages comme Nellie et Jack connaissent les sommets vertigineux de la célébrité mais se retrouvent écrasés sous le poids de leur personnalité publique et de leurs démons personnels. La renommée à Babylone est décrite comme enivrante mais finalement éphémère et dangereuse.
  • Excès et décadence : Babylon dresse un tableau saisissant des excès d’Hollywood des années 1920, avec des fêtes somptueuses, de la drogue, de l’alcool et de la débauche au premier plan. Le film reflète l’idée selon laquelle la poursuite de la grandeur artistique et de la renommée se fait souvent au détriment de la moralité et de la stabilité et Hollywood est dépeint comme un lieu où l’ambition pousse les gens à l’excès.
  • Le cinéma comme art : Le film célèbre également la beauté et le pouvoir transformateur du cinéma, montrant comment il peut capturer les rêves, les désirs et la folie des personnes impliquées dans sa création. À bien des égards, le film est une lettre d’amour au cinéma, malgré son portrait du côté obscur de l’industrie.

Style cinématographique :

  • Exubérance et énergie : Comme les films précédents de Chazelle, Babylon est marqué par un style énergique et cinétique. La séquence d’ouverture du film, une fête endiablée dans les collines d’Hollywood, est un spectacle d’excès et de chaos, donnant le ton au rythme implacable et à la grandeur visuelle du film. Le travail de la caméra, en particulier dans les scènes de fête, est rapide et dynamique, évoquant le sentiment de décadence incontrôlée qui définit la version hollywoodienne du film.
  • Échelle et durée épiques : D’une durée de plus de trois heures, Babylon est un film ambitieux et épique en termes de narration et de production. Il vise à capturer toute une époque de l’histoire d’Hollywood, avec des décors somptueux, de grands acteurs et des séquences grandioses.

A voir ou à revoir

Parasite

 

Parasite (2019) est une comédie noire-thriller sud-coréenne réalisée par Bong Joon-ho . Le film est devenu une sensation mondiale, entrant dans l’histoire en remportant la Palme d’Or au Festival de Cannes et en remportant quatre Oscars , dont celui du meilleur film , ce qui en fait le premier film non anglophone à remporter le premier Oscar. Parasite est largement salué pour ses commentaires sociaux pointus, son style mélangeant les genres et sa narration captivante.

Résumé de l’intrigue :

L’histoire tourne autour de deux familles aux extrémités opposées du spectre social :

  • La famille Kim est pauvre, vit dans un appartement en demi sous-sol et lutte pour joindre les deux bouts grâce à des emplois mal payés.
  • La famille Park est riche et vit dans une luxueuse maison conçue par un célèbre architecte.

La famille Kim voit une opportunité d’améliorer sa situation lorsque le fils, Ki-woo (joué par Choi Woo-shik), a la chance de donner des cours particuliers à la fille de la riche famille Park. Petit à petit, toute la famille Kim infiltre la maison Park en se faisant passer pour des professionnels indépendants (tuteur, art-thérapeute, chauffeur, femme de ménage), supplantant ainsi le personnel existant. Ils se frayent un chemin dans la vie des Parcs, se faisant passer pour des travailleurs qualifiés et créant des mensonges élaborés pour maintenir leurs positions.

Cependant, le film prend une tournure abrupte lorsqu’un secret caché est découvert au sein de la maison Park, révélant des conséquences inattendues pour les deux familles. La tension monte, menant à un point culminant dramatique et tragique.

Thèmes et commentaires sociaux :

Parasite est salué pour son exploration mordante de la lutte des classes et des inégalités. Il utilise l’espace physique des maisons (l’appartement en demi sous-sol contre le luxueux manoir) pour symboliser le profond fossé économique entre les deux familles. Le film critique les dures réalités du capitalisme et les relations parasitaires qui existent entre les riches et les pauvres, où les deux familles dépendent l’une de l’autre de différentes manières.

  • Conflit de classes : Le thème central du film est le profond gouffre entre les riches et les pauvres, illustré non seulement par les disparités économiques, mais aussi par le comportement, les attitudes et les espaces des personnages. L’inconscience de la famille Park à l’égard des luttes de la famille Kim est mise en évidence de manière subtile mais dévastatrice.
  • Parasitisme : Le titre « Parasite » reflète la relation complexe et symbiotique entre les deux familles. Alors que la famille Kim infiltre la famille Park pour survivre et gravir l’échelle sociale, la famille Park, à son tour, dépend des Kim pour son confort quotidien. Les deux camps, d’une certaine manière, sont parasites l’un envers l’autre.
  • Mobilité sociale : Le film interroge la possibilité d’une mobilité ascendante dans une société profondément inégalitaire, suggérant que le rêve de se libérer de la pauvreté est souvent une illusion.

Genre et style :

Parasite se distingue par son mélange homogène des genres. Cela commence comme une comédie noire, avec une critique sociale humoristique mais mordante, mais évolue progressivement vers un thriller tendu, avec des moments d’horreur et de tragédie. Bong Joon-ho change magistralement le ton tout au long du film, gardant le public engagé et instable.

Réalisations cinématographiques :

  • Réalisation : La mise en scène de Bong Joon-ho est précise, utilisant un cadrage serré, des métaphores visuelles et un rythme impeccable pour créer de la tension et transmettre les thèmes complexes du film.
  • Jeu d’acteur : Les acteurs livrent des performances exceptionnelles. Song Kang-ho, collaborateur fréquent de Bong, se distingue dans son rôle de patriarche de la famille Kim, transmettant à la fois humour et pathos.
  • Conception de la production : Le contraste entre l’appartement en sous-sol exigu et miteux des Kim et le vaste manoir moderniste des Parks renforce visuellement la disparité économique au cœur du film.

Récompenses et impact mondial :

  • Parasite est entré dans l’histoire en remportant l’ Oscar du meilleur film , ainsi que celui du meilleur réalisateur , du meilleur long métrage international et du meilleur scénario original aux Oscars 2020 . C’est le premier film sud-coréen à remporter ces prix.
  • Il a également remporté la Palme d’Or au Festival de Cannes 2019 à l’unanimité, marquant la première victoire de Bong Joon-ho à Cannes.

Le succès du film est significatif non seulement en raison de ses thèmes universels, mais également en raison de la manière dont il a propulsé le cinéma sud-coréen sur le devant de la scène internationale. Parasite est désormais considéré comme un classique moderne, loué pour sa narration, son génie technique et sa critique acerbe de la société moderne.

A voir ou à revoir

Le trou

 

 

Le Trou (1960) est un film français classique réalisé par Jacques Becker. Il s’agit d’un drame d’évasion qui se distingue par son réalisme, son style minimaliste et l’accent intense mis sur la psychologie et la camaraderie de ses personnages. Basé sur une tentative d’évasion réelle survenue en 1947, le film est adapté du roman The Break de José Giovanni, qui a lui-même été impliqué dans des événements similaires en tant qu’ancien prisonnier.

Résumé de l’intrigue :

L’histoire suit quatre détenus de la prison de La Santé à Paris qui envisagent de s’évader en creusant un tunnel (d’où « Le Trou » ). Lorsqu’un nouveau détenu, Gaspard, arrive dans leur cellule, ils l’incluent à contrecœur dans leur plan. Le film plonge dans les détails méticuleux des préparatifs d’évasion, montrant le travail d’équipe, la loyauté et la tension qui surgissent lorsqu’ils travaillent ensemble.

Principales caractéristiques :

  • Réalisme : Le Trou est connu pour son réalisme austère, avec de longues prises ininterrompues qui mettent l’accent sur le travail physique nécessaire pour creuser le tunnel. Becker a utilisé de vrais prisonniers pour renforcer l’authenticité du film, et le cadre claustrophobe de la prison est méticuleusement décrit.
  • Minimalisme : Contrairement à de nombreux drames carcéraux, Le Trou évite le mélodrame et se concentre sur la simplicité et la tension de la situation. Le rythme délibéré du film reflète la lente progression de la tentative d’évasion, créant un sentiment d’immersion dans les expériences des personnages.
  • Thèmes : Le film explore les thèmes de la confiance, de la trahison et du désir humain de liberté. La fin, que je ne gâcherai pas, est particulièrement poignante et laisse réfléchir les spectateurs sur la loyauté et la complexité morale des choix des personnages.

Impact cinématographique :

La mise en scène de Jacques Becker et la représentation  de la tentative d’évasion dans le film ont fait du Trou une référence dans le cinéma français. Il est souvent comparé à d’autres grands films d’évasion de prison comme The Great Escape (1963), mais se distingue par sa profondeur psychologique intense et son approche minimaliste.

C’était le dernier film de Becker, car il est décédé peu de temps après l’avoir terminé, ce qui en fait un témoignage durable de son savoir-faire.

 

Les égouts du paradis

 

 

Les Égouts du paradis est un film policier français de 1979 réalisé par José Giovanni , qui était à la fois écrivain et cinéaste avec un lien personnel profond avec le monde du crime, y ayant déjà été impliqué. Le film est basé sur le braquage réel connu sous le nom de « vol de la Caisse des Dépôts et Consignations » survenu à Nice, en France, en 1976. Le braquage est devenu tristement célèbre pour son audace et son génie technique.

Résumé de l’intrigue :

Le film met en scène le plan et l’exécution du cambriolage du célèbre Albert Spaggiari, où un groupe de voleurs hautement qualifiés a réussi à pénétrer dans le coffre d’une banque en creusant un tunnel à partir des égouts. Le cerveau, Spaggiari, joué par Francis Huster, a mené son gang pendant des mois de préparation méticuleuse, creusant un tunnel sous la banque, contournant ses systèmes de sécurité sophistiqués et accédant finalement au coffre, où ils sont repartis avec des millions en espèces et en objets de valeur.

Le braquage, souvent qualifié de « casse du siècle », s’est déroulé sans qu’une seule alarme ne se déclenche et qu’une seule goutte de sang ne coule. Spaggiari a laissé un message sur le mur du coffre-fort qui disait : « Sans armes, ni haine, ni violence ».

Principales caractéristiques :

  • Réalisme et détails : Tout comme les autres œuvres de Giovanni, le film est fondé sur le réalisme. Les scènes de braquage sont détaillées, montrant les défis techniques et logistiques que le gang a dû surmonter pour accéder au coffre-fort de la banque par les égouts. Les séquences de tunnels méticuleuses ajoutent une couche de suspense, semblable au Trou de Jacques Becker .
  • Étude de personnage : Albert Spaggiari, le personnage principal, est dépeint comme un criminel charismatique et intelligent, qui planifie tout dans les moindres détails. Son dévouement et l’alchimie du groupe sont au cœur de la tension du film. L’évasion de Spaggiari et sa personnalité sont aussi captivantes que le braquage lui-même.
  • Ambiguïté morale : Comme beaucoup de films de braquage, Les Égouts du paradis dépeint ses criminels sous un jour quelque peu sympathique, mettant l’accent sur leur habileté et le caractère non violent du crime. Cependant, il aborde également les thèmes de la loyauté et de la trahison, qui sont au cœur de nombreux récits policiers.

Contexte historique :

Le véritable Albert Spaggiari a réussi à s’échapper de manière dramatique de la garde à vue et est resté un fugitif pendant des années, devenant une sorte de légende en France. Sa capacité à échapper à la capture n’a fait qu’ajouter au mystère du braquage, qui a captivé l’imagination du public. Il a finalement été condamné par contumace, mais il n’a jamais été repris.

Impact cinématographique :

Bien qu’ils ne soient pas aussi connus en dehors de la France que certains autres films policiers, Les Égouts du paradis se démarquent dans le genre du braquage en raison de leur lien avec un événement réel et extraordinaire. Il met en valeur les talents de narrateur de José Giovanni, s’appuyant sur sa propre expérience du crime et du châtiment, ajoutant des couches d’authenticité au film.

Dans le cinéma français, le film tient sa place comme une exploration tendue et méthodique de l’un des braquages ​​les plus audacieux du XXe siècle.