Archives de catégorie : A voir ou à revoir

A voir ou à revoir

Life : Origine inconnue

 

 

Life : Origine inconnue  est un film de science-fiction et d’horreur sorti en 2017, réalisé par Daniel Espinosa. Le film met en vedette un casting international comprenant :

*Jake Gyllenhaal

*Rebecca Ferguson

*Ryan Reynolds

*Hiroyuki Sanada

*Ariyon Bakare

*Olga Dihovichnaya

Intrigue :

L’histoire se déroule à bord de la Station spatiale internationale (ISS), où un groupe de scientifiques et d’astronautes analyse un échantillon prélevé sur Mars. Cet échantillon contient une forme de vie unicellulaire qui représente la première preuve de vie extraterrestre. Surnommée Calvin, cette créature extraterrestre se développe rapidement et montre des signes d’une intelligence étonnante, mais aussi une capacité à évoluer et à devenir extrêmement dangereuse.

Au fil du film, Calvin devient une menace mortelle pour l’équipage, utilisant ses capacités pour attaquer et tuer. Les astronautes doivent non seulement lutter pour leur survie, mais aussi empêcher la créature de retourner sur Terre, où elle pourrait anéantir toute forme de vie humaine.

Thèmes et style :

Life : Origine inconnue explore des thèmes communs à la science-fiction et à l’horreur : la peur de l’inconnu, les dangers liés à l’exploration spatiale, et les conséquences de la découverte d’une intelligence extraterrestre hostile. Le film combine les éléments classiques du survival horror dans l’espace avec une atmosphère tendue, rappelant d’autres films du genre comme Alien ou Gravity.

Le style du film repose sur une tension constante, avec des scènes de suspense claustrophobiques à bord de l’ISS, une créature imprévisible, et un sentiment de désespoir croissant à mesure que les personnages se retrouvent piégés dans un espace confiné avec une menace qui les dépasse.

Réception :

Life : Origine inconnue a reçu des critiques partagées. D’un côté, le film a été salué pour ses effets visuels impressionnants, son atmosphère tendue, et les performances des acteurs, notamment Jake Gyllenhaal et Rebecca Ferguson. De l’autre, certains critiques ont noté que l’intrigue du film était assez prévisible et qu’elle suivait des schémas vus dans d’autres films d’horreur spatial, en particulier Alien (1979), avec peu d’innovations majeures dans le genre.

Conclusion :

Life : Origine inconnue est un film de science-fiction et d’horreur efficace qui, bien qu’il s’appuie sur des éléments familiers du genre, offre des moments de tension et de suspense intenses. Sa conclusion surprenante en fait un film mémorable pour les amateurs de survival spatial.

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Looper

 

 

Looper est un film de science-fiction sorti en 2012, réalisé par Rian Johnson. Le film se déroule dans un futur proche et met en scène Joseph Gordon-Levitt et Bruce Willis dans les rôles principaux, aux côtés de Emily Blunt.

Intrigue :

L’histoire se passe en 2044, où les voyages dans le temps existent, mais sont illégaux. Cependant, la mafia du futur utilise cette technologie pour se débarrasser des gens en les envoyant dans le passé. Des tueurs, appelés « loopers », sont chargés de tuer les victimes dès leur arrivée. Joe (Joseph Gordon-Levitt) est un looper qui travaille pour cette organisation. Un jour, il se retrouve face à une cible inattendue : son futur lui-même, joué par Bruce Willis.

Le vieux Joe a été envoyé pour être exécuté, mais il parvient à s’échapper. S’ensuit une traque intense où le jeune Joe doit capturer et tuer son double, tout en découvrant pourquoi ce dernier veut à tout prix changer l’avenir.

Thèmes et style :

Le film explore des thèmes comme le destin, les paradoxes temporels, et le libre arbitre. Il mélange des éléments de science-fiction avec un récit sombre et émotionnel sur la rédemption et la perte. Rian Johnson joue également avec le genre en incorporant une esthétique de film noir futuriste.

Réception :

Looper a été très bien accueilli par la critique pour son scénario inventif et la qualité des performances des acteurs, notamment la transformation physique de Joseph Gordon-Levitt pour ressembler à Bruce Willis. Il a également été salué pour ses séquences d’action et ses idées originales sur les voyages dans le temps.

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Le Livre d’Eli

 

 

« Le Livre d’Eli » (The Book of Eli en anglais), réalisé par les frères Hughes et sorti en 2010, est un film post-apocalyptique avec Denzel Washington dans le rôle principal. Il mêle action, spiritualité et réflexion sur l’humanité dans un monde dévasté.

Distribution :

*Denzel Washington

*Gary Oldman

*Mila Kunis

*Jennifer Beals

 Intrigue :

Le film se déroule dans un futur dévasté où une catastrophe a laissé la Terre en ruines. L’eau et les ressources sont rares, et les gens luttent pour survivre dans un paysage désolé. Au milieu de ce chaos, Eli, joué par Denzel Washington, voyage à travers les États-Unis avec une mission mystérieuse : protéger un livre qu’il considère comme sacré. L’idée de ce livre, un des derniers exemplaires de la Bible, comme symbole d’espoir et de pouvoir dans un monde en ruines, est intrigante et originale.

Thématiques spirituelles et philosophiques

« Le Livre d’Eli » explore des thèmes comme la foi, la religion, le pouvoir du savoir, et la survie dans un monde sans espoir. Le film soulève des questions profondes : le livre est-il une force de guérison pour l’humanité ou un outil de manipulation ? Il pose aussi la question de la morale et de la foi dans un monde où la civilisation a quasiment disparu.

Atmosphère et visuel

Le film est visuellement frappant, avec des paysages désertiques et brûlés par le soleil qui accentuent la sensation de désolation et de vide. La direction artistique et la photographie, marquées par des teintes grisâtres et sépia, contribuent à créer un monde post-apocalyptique sombre et menaçant

Même si l’histoire met en avant la foi et l’espoir, le film contient de nombreuses scènes d’action parfaitement chorégraphiées. Eli est un combattant redoutable, et les séquences de combat sont filmées avec une esthétique presque « samouraï », avec un style visuel qui allie brutalité et élégance.

En résumé :

« Le Livre d’Eli » est un mélange captivant de film d’action post-apocalyptique et de réflexion spirituelle. Avec des performances solides, des scènes d’action intenses, et des thèmes philosophiques riches, il propose une expérience cinématographique différente, où l’idée de foi et de rédemption prend une place centrale dans un monde brisé.

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The Raid 1 et 2

 

 

 

The Raid 1 (2011) et The Raid 2 (2014) sont deux films d’action indonésiens réalisés par Gareth Evans. Ils sont réputés pour leurs scènes d’action spectaculaires et leur chorégraphie de combat intense, souvent citées comme parmi les meilleures dans le genre du cinéma d’action moderne.

The Raid 1: Redemption (2011)

  • Synopsis : Le film raconte l’histoire d’une unité des forces spéciales indonésiennes qui est envoyée pour capturer un seigneur de la drogue, Tama Riyadi, dans son immeuble fortifié. Cependant, tout tourne mal lorsque les membres de l’équipe sont repérés et doivent se battre pour leur survie. Rama, un jeune policier très doué en arts martiaux (incarné par Iko Uwais), devient l’un des rares survivants et doit se frayer un chemin à travers des étages remplis de criminels.
  • Style : C’est un film intense et nerveux, avec une action quasi non-stop. Il est célèbre pour ses combats au corps à corps magnifiquement chorégraphiés, utilisant notamment l’art martial indonésien Pencak Silat. La violence y est brutale et réaliste, et le film a été acclamé pour sa réalisation viscérale et son rythme haletant.

The Raid 2: Berandal (2014)

  • Synopsis : Suite directe de The Raid, ce second film reprend l’histoire de Rama, qui, après avoir survécu aux événements du premier film, infiltre une organisation criminelle pour protéger sa famille et exposer la corruption au sein de la police. Cette fois, l’intrigue est plus complexe, intégrant des luttes de pouvoir entre gangs et explorant des thèmes plus profonds de loyauté et de trahison.
  • Style : The Raid 2 se distingue par son ambition beaucoup plus grande. Le film passe des espaces confinés du premier opus à des scènes de combat dans de vastes décors urbains, allant de courses-poursuites en voiture à des affrontements épiques dans des prisons et des clubs souterrains. Bien que l’action reste spectaculaire, The Raid 2 combine également des éléments de thriller policier et de drame criminel, offrant plus de développement de personnages et de narration que le premier film.

Impact et Réception

Les deux films ont eu un énorme succès critique et sont considérés comme des jalons du cinéma d’action moderne. Iko Uwais, le héros, est devenu une star internationale grâce à ses performances acrobatiques et son style de combat impressionnant. Quant à Gareth Evans, il est salué pour sa capacité à réaliser des scènes de combat complexes avec une clarté visuelle et un sens du rythme rare.

Comparaison des deux films :

  • The Raid 1 est plus axé sur une action pure, avec un rythme rapide et une intrigue simple mais efficace.
  • The Raid 2 offre une histoire plus élaborée, avec une action qui se développe sur une plus grande échelle et un monde criminel plus large.

Les deux films sont incontournables pour les amateurs de films d’action.

 

A voir ou à revoir

Parasite

 

Parasite (2019) est une comédie noire-thriller sud-coréenne réalisée par Bong Joon-ho . Le film est devenu une sensation mondiale, entrant dans l’histoire en remportant la Palme d’Or au Festival de Cannes et en remportant quatre Oscars , dont celui du meilleur film , ce qui en fait le premier film non anglophone à remporter le premier Oscar. Parasite est largement salué pour ses commentaires sociaux pointus, son style mélangeant les genres et sa narration captivante.

Résumé de l’intrigue :

L’histoire tourne autour de deux familles aux extrémités opposées du spectre social :

  • La famille Kim est pauvre, vit dans un appartement en demi sous-sol et lutte pour joindre les deux bouts grâce à des emplois mal payés.
  • La famille Park est riche et vit dans une luxueuse maison conçue par un célèbre architecte.

La famille Kim voit une opportunité d’améliorer sa situation lorsque le fils, Ki-woo (joué par Choi Woo-shik), a la chance de donner des cours particuliers à la fille de la riche famille Park. Petit à petit, toute la famille Kim infiltre la maison Park en se faisant passer pour des professionnels indépendants (tuteur, art-thérapeute, chauffeur, femme de ménage), supplantant ainsi le personnel existant. Ils se frayent un chemin dans la vie des Parcs, se faisant passer pour des travailleurs qualifiés et créant des mensonges élaborés pour maintenir leurs positions.

Cependant, le film prend une tournure abrupte lorsqu’un secret caché est découvert au sein de la maison Park, révélant des conséquences inattendues pour les deux familles. La tension monte, menant à un point culminant dramatique et tragique.

Thèmes et commentaires sociaux :

Parasite est salué pour son exploration mordante de la lutte des classes et des inégalités. Il utilise l’espace physique des maisons (l’appartement en demi sous-sol contre le luxueux manoir) pour symboliser le profond fossé économique entre les deux familles. Le film critique les dures réalités du capitalisme et les relations parasitaires qui existent entre les riches et les pauvres, où les deux familles dépendent l’une de l’autre de différentes manières.

  • Conflit de classes : Le thème central du film est le profond gouffre entre les riches et les pauvres, illustré non seulement par les disparités économiques, mais aussi par le comportement, les attitudes et les espaces des personnages. L’inconscience de la famille Park à l’égard des luttes de la famille Kim est mise en évidence de manière subtile mais dévastatrice.
  • Parasitisme : Le titre « Parasite » reflète la relation complexe et symbiotique entre les deux familles. Alors que la famille Kim infiltre la famille Park pour survivre et gravir l’échelle sociale, la famille Park, à son tour, dépend des Kim pour son confort quotidien. Les deux camps, d’une certaine manière, sont parasites l’un envers l’autre.
  • Mobilité sociale : Le film interroge la possibilité d’une mobilité ascendante dans une société profondément inégalitaire, suggérant que le rêve de se libérer de la pauvreté est souvent une illusion.

Genre et style :

Parasite se distingue par son mélange homogène des genres. Cela commence comme une comédie noire, avec une critique sociale humoristique mais mordante, mais évolue progressivement vers un thriller tendu, avec des moments d’horreur et de tragédie. Bong Joon-ho change magistralement le ton tout au long du film, gardant le public engagé et instable.

Réalisations cinématographiques :

  • Réalisation : La mise en scène de Bong Joon-ho est précise, utilisant un cadrage serré, des métaphores visuelles et un rythme impeccable pour créer de la tension et transmettre les thèmes complexes du film.
  • Jeu d’acteur : Les acteurs livrent des performances exceptionnelles. Song Kang-ho, collaborateur fréquent de Bong, se distingue dans son rôle de patriarche de la famille Kim, transmettant à la fois humour et pathos.
  • Conception de la production : Le contraste entre l’appartement en sous-sol exigu et miteux des Kim et le vaste manoir moderniste des Parks renforce visuellement la disparité économique au cœur du film.

Récompenses et impact mondial :

  • Parasite est entré dans l’histoire en remportant l’ Oscar du meilleur film , ainsi que celui du meilleur réalisateur , du meilleur long métrage international et du meilleur scénario original aux Oscars 2020 . C’est le premier film sud-coréen à remporter ces prix.
  • Il a également remporté la Palme d’Or au Festival de Cannes 2019 à l’unanimité, marquant la première victoire de Bong Joon-ho à Cannes.

Le succès du film est significatif non seulement en raison de ses thèmes universels, mais également en raison de la manière dont il a propulsé le cinéma sud-coréen sur le devant de la scène internationale. Parasite est désormais considéré comme un classique moderne, loué pour sa narration, son génie technique et sa critique acerbe de la société moderne.

A voir ou à revoir

Le trou

 

 

Le Trou (1960) est un film français classique réalisé par Jacques Becker. Il s’agit d’un drame d’évasion qui se distingue par son réalisme, son style minimaliste et l’accent intense mis sur la psychologie et la camaraderie de ses personnages. Basé sur une tentative d’évasion réelle survenue en 1947, le film est adapté du roman The Break de José Giovanni, qui a lui-même été impliqué dans des événements similaires en tant qu’ancien prisonnier.

Résumé de l’intrigue :

L’histoire suit quatre détenus de la prison de La Santé à Paris qui envisagent de s’évader en creusant un tunnel (d’où « Le Trou » ). Lorsqu’un nouveau détenu, Gaspard, arrive dans leur cellule, ils l’incluent à contrecœur dans leur plan. Le film plonge dans les détails méticuleux des préparatifs d’évasion, montrant le travail d’équipe, la loyauté et la tension qui surgissent lorsqu’ils travaillent ensemble.

Principales caractéristiques :

  • Réalisme : Le Trou est connu pour son réalisme austère, avec de longues prises ininterrompues qui mettent l’accent sur le travail physique nécessaire pour creuser le tunnel. Becker a utilisé de vrais prisonniers pour renforcer l’authenticité du film, et le cadre claustrophobe de la prison est méticuleusement décrit.
  • Minimalisme : Contrairement à de nombreux drames carcéraux, Le Trou évite le mélodrame et se concentre sur la simplicité et la tension de la situation. Le rythme délibéré du film reflète la lente progression de la tentative d’évasion, créant un sentiment d’immersion dans les expériences des personnages.
  • Thèmes : Le film explore les thèmes de la confiance, de la trahison et du désir humain de liberté. La fin, que je ne gâcherai pas, est particulièrement poignante et laisse réfléchir les spectateurs sur la loyauté et la complexité morale des choix des personnages.

Impact cinématographique :

La mise en scène de Jacques Becker et la représentation  de la tentative d’évasion dans le film ont fait du Trou une référence dans le cinéma français. Il est souvent comparé à d’autres grands films d’évasion de prison comme The Great Escape (1963), mais se distingue par sa profondeur psychologique intense et son approche minimaliste.

C’était le dernier film de Becker, car il est décédé peu de temps après l’avoir terminé, ce qui en fait un témoignage durable de son savoir-faire.

 

Les égouts du paradis

 

 

Les Égouts du paradis est un film policier français de 1979 réalisé par José Giovanni , qui était à la fois écrivain et cinéaste avec un lien personnel profond avec le monde du crime, y ayant déjà été impliqué. Le film est basé sur le braquage réel connu sous le nom de « vol de la Caisse des Dépôts et Consignations » survenu à Nice, en France, en 1976. Le braquage est devenu tristement célèbre pour son audace et son génie technique.

Résumé de l’intrigue :

Le film met en scène le plan et l’exécution du cambriolage du célèbre Albert Spaggiari, où un groupe de voleurs hautement qualifiés a réussi à pénétrer dans le coffre d’une banque en creusant un tunnel à partir des égouts. Le cerveau, Spaggiari, joué par Francis Huster, a mené son gang pendant des mois de préparation méticuleuse, creusant un tunnel sous la banque, contournant ses systèmes de sécurité sophistiqués et accédant finalement au coffre, où ils sont repartis avec des millions en espèces et en objets de valeur.

Le braquage, souvent qualifié de « casse du siècle », s’est déroulé sans qu’une seule alarme ne se déclenche et qu’une seule goutte de sang ne coule. Spaggiari a laissé un message sur le mur du coffre-fort qui disait : « Sans armes, ni haine, ni violence ».

Principales caractéristiques :

  • Réalisme et détails : Tout comme les autres œuvres de Giovanni, le film est fondé sur le réalisme. Les scènes de braquage sont détaillées, montrant les défis techniques et logistiques que le gang a dû surmonter pour accéder au coffre-fort de la banque par les égouts. Les séquences de tunnels méticuleuses ajoutent une couche de suspense, semblable au Trou de Jacques Becker .
  • Étude de personnage : Albert Spaggiari, le personnage principal, est dépeint comme un criminel charismatique et intelligent, qui planifie tout dans les moindres détails. Son dévouement et l’alchimie du groupe sont au cœur de la tension du film. L’évasion de Spaggiari et sa personnalité sont aussi captivantes que le braquage lui-même.
  • Ambiguïté morale : Comme beaucoup de films de braquage, Les Égouts du paradis dépeint ses criminels sous un jour quelque peu sympathique, mettant l’accent sur leur habileté et le caractère non violent du crime. Cependant, il aborde également les thèmes de la loyauté et de la trahison, qui sont au cœur de nombreux récits policiers.

Contexte historique :

Le véritable Albert Spaggiari a réussi à s’échapper de manière dramatique de la garde à vue et est resté un fugitif pendant des années, devenant une sorte de légende en France. Sa capacité à échapper à la capture n’a fait qu’ajouter au mystère du braquage, qui a captivé l’imagination du public. Il a finalement été condamné par contumace, mais il n’a jamais été repris.

Impact cinématographique :

Bien qu’ils ne soient pas aussi connus en dehors de la France que certains autres films policiers, Les Égouts du paradis se démarquent dans le genre du braquage en raison de leur lien avec un événement réel et extraordinaire. Il met en valeur les talents de narrateur de José Giovanni, s’appuyant sur sa propre expérience du crime et du châtiment, ajoutant des couches d’authenticité au film.

Dans le cinéma français, le film tient sa place comme une exploration tendue et méthodique de l’un des braquages ​​les plus audacieux du XXe siècle.

 

 

A voir ou à revoir

CABAL

 

 

« Cabal » est un film d’horreur fantastique sorti en 1990, réalisé par Clive Barker, également auteur du roman sur lequel le film est basé, intitulé Cabal (ou Nightbreed en anglais). Ce film explore des thèmes complexes tels que la monstruosité, la marginalisation et la lutte contre les préjugés.

L’intrigue suit un jeune homme nommé Aaron Boone, accusé à tort d’une série de meurtres. À travers une série de rêves et d’événements surnaturels, il découvre l’existence d’une communauté secrète de créatures monstrueuses, les « Nightbreed », qui vivent dans une ville souterraine appelée Midian. Ces créatures, loin d’être les monstres que l’on imagine, sont en fait persécutées par les humains. Aaron se retrouve alors impliqué dans leur lutte pour survivre.

Le film est reconnu pour ses effets spéciaux pratiques, ses maquillages élaborés et sa manière unique de présenter les monstres sous un angle plus empathique, les montrant comme des victimes plutôt que des antagonistes. Bien qu’il n’ait pas rencontré un grand succès commercial lors de sa sortie, Cabal a acquis au fil des années un statut culte parmi les amateurs de cinéma fantastique et d’horreur.

Si tu t’intéresses à des films qui brouillent les frontières entre horreur et fantastique, avec des réflexions sur la société et la tolérance, « Cabal » pourrait être un choix intéressant !

 

La prophétie des Ombres

 

 

« La Prophétie des Ombres » est le titre français du film « The Mothman Prophecies » (2002), un thriller surnaturel réalisé par Mark Pellington et mettant en vedette Richard Gere et Laura Linney .

Synopsis  :

Le film est basé sur des événements réels et inspiré du livre de 1975 The Mothman Prophecies de John Keel , qui explore les observations réelles d’une créature mystérieuse connue sous le nom de Mothman dans la petite ville de Point Pleasant, en Virginie occidentale, à la fin des années 1960.

  • Richard Gere incarne John Klein, un journaliste qui, après un tragique accident, devient obsédé par d’étranges phénomènes paranormaux liés au Mothman, un être mystérieux d’un autre monde qui prédit des catastrophes.
  • L’histoire est centrée sur l’enquête de Klein sur des événements étranges et des observations inquiétantes dans la ville de Point Pleasant , où les résidents locaux ont eu des visions et ont reçu des avertissements concernant une catastrophe imminente.
  • Le film crée du suspense grâce à son atmosphère inquiétante, mêlant des éléments de thriller psychologique et d’horreur surnaturelle.

Thèmes :

  • Le film explore les thèmes de la prémonition, du destin et de l’intersection du surnaturel et du psychologique .
  • Le Mothman est dépeint comme une figure énigmatique associée à la prédiction des catastrophes, mais reste insaisissable et ambigu, laissant le public se demander s’il s’agit d’une force du bien ou du mal.

Inspiration de la vie réelle  :

Le film s’appuie sur des observations réelles du Mothman , en particulier avant l’ effondrement du Silver Bridge en 1967, qui a entraîné la mort de 46 personnes. Le personnage mystérieux aurait été vu par plusieurs habitants de Point Pleasant avant la catastrophe, ce qui a alimenté les spéculations sur son lien avec la tragédie.

Dans l’ensemble, « La Prophétie des Ombres » mêle mystère paranormal et drame humain, créant un sentiment de tension et de malaise.

 

LA HORDE

 

 

« La Horde » (2009) est un film d’action-horreur français co-réalisé par Yannick Dahan et Benjamin Rocher . Il est connu pour mélanger l’horreur des zombies et la guerre urbaine , ce qui le distingue du genre zombie.

Synopsis  :

L’histoire se déroule dans le décor sinistre d’un immeuble en ruine à la périphérie de Paris. L’intrigue tourne autour d’un groupe de policiers qui font une descente dans le bâtiment pour se venger d’un groupe de criminels qui ont tué l’un de leurs collègues. Cependant, leur mission est violemment interrompue lorsqu’une apocalypse zombie éclate soudainement, obligeant les flics et les criminels à s’unir afin de survivre face aux assauts des morts-vivants .

Casting principal :

  • Claude Perron as Aurore
  • Jean-Pierre Martins as Ouessem
  • Eriq Ebouaney et Adewale
  • Aurélien Recoing as Jimenez

Thèmes et styles clés  :

  • Survie et moralité : Le film explore l’alliance fragile entre les policiers et les gangsters, abordant les thèmes de la survie, de la trahison et du changement des lignes morales face à un danger écrasant.
  • De l’action  : « La Horde » se distingue par ses séquences d’action intenses , se concentrant fortement sur des scènes de combat où les humains se battent à la fois entre eux et contre des hordes de zombies.
  • Esthétique audacieuse  : Le film se déroule dans un paysage urbain sombre et claustrophobe qui renforce le sentiment de chaos et de désespoir. Sa cinématographie sombre et granuleuse renforce l’atmosphère apocalyptique.

Réception :

Bien que « La Horde » ait reçu des critiques mitigées, certains ont salué son action à indice d’octane élevé et sa nouvelle approche du genre zombie, combinant des éléments de thriller policier urbain avec l’horreur zombie classique. Les fans de films d’horreur rapides et violents ont apprécié son rythme implacable et ses combats sanglants.

Si vous aimez l’action-horreur intense et violente avec une atmosphère granuleuse, « La Horde » offre de nombreux moments pleins d’adrénaline.

 

 

A voir ou à revoir

Une Nuit En Enfer

 

 

 

« Une Nuit en Enfer » (en anglais From Dusk Till Dawn) est un film culte réalisé par Robert Rodriguez et écrit par Quentin Tarantino, sorti en 1996. C’est un mélange unique de thriller criminel et de film d’horreur, avec une touche de comédie noire. Le film est célèbre pour son changement radical de ton au milieu de l’histoire, passant d’un film de braquage et de fuite à une bataille sanglante contre des vampires.

Synopsis :

Le film suit deux frères criminels, Seth et Richie Gecko (joués par George Clooney et Quentin Tarantino), qui fuient la police après un braquage sanglant. Ils prennent en otage un pasteur déchu, Jacob Fuller (Harvey Keitel), et ses deux enfants, Kate (Juliette Lewis) et Scott, et les forcent à les aider à traverser la frontière vers le Mexique. Ils se réfugient dans un bar isolé appelé le Titty Twister, où les choses prennent une tournure surnaturelle lorsqu’ils découvrent que le bar est en réalité un repaire de vampires affamés. Dès la tombée de la nuit, ils doivent se battre pour survivre jusqu’à l’aube.

Points marquants :

  1. Changement de ton : Le film commence comme un thriller criminel classique, avant de basculer brutalement dans l’horreur vampirique.
  2. Scènes d’action stylisées : Avec la touche visuelle de Robert Rodriguez, les scènes de combat et les effets spéciaux sanglants sont exagérés, typiques du style grindhouse.
  3. Performance de George Clooney : Le film a marqué l’une des premières incursions de Clooney dans les rôles d’action plus violents, lui permettant de se détacher de son image de médecin dans Urgences.
  4. Humour noir : Avec le scénario de Tarantino, le film mélange dialogues percutants, violence extrême et humour absurde.

Impact culturel :

Le film a généré une franchise, avec plusieurs suites et une série télévisée dérivée. Il est devenu un film culte, apprécié pour son style unique, ses personnages mémorables et son mélange de genres inhabituel.

C’est un excellent exemple de la collaboration entre Rodriguez et Tarantino, deux réalisateurs emblématiques des années 1990, adeptes des films à petit budget et du style décalé propre au cinéma d’exploitation.

 

Arnaques, crimes et botanique

 

 

 

« Arnaques, crimes et botanique » (Lock, Stock and Two Smoking Barrels en version originale) est un film britannique de 1998, réalisé par Guy Ritchie. Ce film a marqué les débuts du réalisateur et est considéré comme une œuvre culte du cinéma britannique pour son mélange de comédie noire, de thriller criminel et de style visuel distinctif.

Synopsis :

L’histoire suit quatre amis de longue date — Eddy (Nick Moran), Tom (Jason Flemyng), Soap (Dexter Fletcher) et Bacon (Jason Statham) — qui décident de mettre en commun leurs économies pour qu’Eddy participe à une partie de poker clandestine à enjeux élevés organisée par Harry « La Hache » (P.H. Moriarty), un gangster redouté. Cependant, la partie est truquée, et Eddy se retrouve endetté de 500 000 livres auprès de Harry, avec une semaine pour rembourser l’argent.

Pour rembourser leur dette, les quatre amis montent un plan risqué consistant à cambrioler un gang de trafiquants de drogue voisins. Ce plan déclenche une série d’événements imprévisibles impliquant une galerie de personnages excentriques, des fusils volés, des deals de drogue et de la violence, où tout s’entremêle dans une spirale chaotique.

Points forts :

  1. Enchevêtrement de récits : Le film présente plusieurs intrigues qui finissent par se croiser d’une manière complexe mais jouissive. Le scénario est réputé pour sa narration rapide et ses nombreux retournements de situation.
  2. Dialogue mordant : Les répliques sont pleines de sarcasme, d’humour noir et de punchlines mémorables, rendant le film à la fois drôle et mordant.
  3. Personnages hauts en couleur : Chaque personnage, des protagonistes aux seconds rôles, est bien défini et souvent excentrique. Des petits voyous aux gangsters, tout le monde a un rôle crucial dans l’intrigue.
  4. Esthétique visuelle : Le style visuel de Guy Ritchie, avec son montage rapide, ses mouvements de caméra dynamiques et sa bande-son percutante, a fait sensation. Il a contribué à redéfinir le film de gangster moderne.
  5. Bande originale : La musique joue un rôle central dans le film, avec des morceaux tirés du rock, du funk et d’autres genres, qui donnent au film son énergie unique.

Impact et héritage :

Le succès critique et commercial de Lock, Stock and Two Smoking Barrels a propulsé Guy Ritchie au rang des réalisateurs britanniques les plus prometteurs de la fin des années 1990. Il a également révélé Jason Statham, qui a depuis fait une carrière dans les films d’action. Le film a eu une influence notable sur les œuvres ultérieures de Ritchie, notamment Snatch, et a contribué à revitaliser le genre du film de gangster britannique avec son style décalé et son humour acide.

Le film est devenu un classique culte, reconnu pour son originalité, son rythme effréné et son mélange unique de comédie et de criminalité.

 

La Route

 

 

« The Road » est un roman post-apocalyptique écrit par Cormac McCarthy, publié en 2006, et adapté en film en 2009. C’est une œuvre profondément sombre et émotive qui explore des thèmes de survie, de désespoir et de l’amour inconditionnel entre un père et son fils dans un monde dévasté.

Synopsis du roman :

L’histoire se déroule dans un futur indéterminé après une catastrophe apocalyptique (probablement nucléaire ou écologique, bien que cela ne soit jamais explicitement mentionné) qui a anéanti la majeure partie de la vie sur Terre. La planète est en grande partie stérile, plongée dans le froid, les cendres couvrant le ciel et la civilisation s’effondrant.

Le récit suit un père et son jeune fils sans nom (simplement appelés « l’homme » et « l’enfant ») alors qu’ils marchent à travers un paysage dévasté, en direction du sud, espérant trouver un climat plus clément. Ils sont constamment menacés par des gangs de cannibales, la faim et les conditions extrêmes. Leur seul objectif est de survivre un jour de plus, tout en préservant un semblant d’humanité dans un monde devenu brutal.

Thèmes principaux :

  1. L’amour parental : Le cœur du roman repose sur la relation entre le père et son fils. L’amour inconditionnel qui lie les deux personnages est ce qui les pousse à continuer malgré l’environnement désespéré. Le père enseigne à son fils les valeurs morales dans un monde sans loi, lui répétant qu’ils « portent le feu », un symbole d’espoir et d’humanité.
  2. Survie : Le roman explore les limites physiques et émotionnelles de la survie dans des conditions désespérées. La recherche de nourriture, d’abris et de protection est constante, et la menace des autres survivants (souvent devenus cannibales) ajoute une tension oppressante.
  3. Le désespoir et l’espoir : Bien que le monde soit presque totalement détruit et que les perspectives soient sombres, l’espoir est un thème central, symbolisé par l’enfant, qui représente l’avenir. La question de savoir si l’humanité peut encore exister dans un monde sans espoir reste ouverte tout au long du livre.
  4. La condition humaine : McCarthy interroge la nature humaine, en particulier dans des conditions extrêmes. Certains personnages abandonnent toute morale pour survivre, tandis que d’autres, comme le père, s’accrochent à une éthique stricte malgré les circonstances désespérées.

Style et écriture :

L’écriture de McCarthy dans The Road est marquée par son style minimaliste et fragmenté. Il utilise peu de ponctuation, et les dialogues sont souvent réduits à des échanges brefs, presque monosyllabiques. Ce style contribue à créer une atmosphère lourde et introspective, accentuant le sentiment de désolation.

Adaptation cinématographique :

Le film The Road, réalisé par John Hillcoat en 2009, est fidèle au ton du roman. Il met en vedette Viggo Mortensen dans le rôle du père et Kodi Smit-McPhee dans celui de l’enfant. La cinématographie capture parfaitement l’atmosphère grise et stérile du livre, et la performance de Mortensen a été saluée pour sa profondeur émotionnelle.

Réception et impact :

The Road a remporté le Prix Pulitzer de la fiction en 2007 et a reçu un accueil critique largement positif pour sa profondeur émotionnelle et sa réflexion sur la condition humaine dans un contexte post-apocalyptique. Le roman est souvent vu comme une œuvre magistrale qui transcende le genre du roman post-apocalyptique, en se concentrant avant tout sur les relations humaines et la résilience de l’esprit humain.

L’œuvre de McCarthy, bien que sombre, est finalement une réflexion sur ce qui nous rend humains — même au bord de l’extinction.