La sélection du Chacal

The Grand Budapest Hotel

 

 

« The Grand Budapest Hotel » est un film réalisé par Wes Anderson, sorti en 2014. Ce film est une comédie dramatique pleine de charme et d’originalité, typique du style visuel unique et décalé d’Anderson. Il s’agit de l’un de ses films les plus acclamés, notamment pour son esthétique, son casting de stars et son récit empreint de nostalgie.

Synopsis

Le film raconte l’histoire de Gustave H. (incarné par Ralph Fiennes), le concierge légendaire d’un grand hôtel en Europe centrale appelé le Grand Budapest, pendant l’entre-deux-guerres. Gustave H. est un homme méticuleux, raffiné et séduisant, qui entretient des relations proches avec les riches clientes de l’hôtel.

Style visuel

« The Grand Budapest Hotel » est un exemple parfait du style visuel distinctif de Wes Anderson. Le film est marqué par des compositions symétriques, des couleurs vives et saturées, une attention méticuleuse aux détails, et des décors à la fois fantasques et rétro. Anderson utilise également différentes techniques pour différencier les époques du film, notamment en changeant le format de l’image (de 4:3 à 16:9).

Thèmes

Le film explore des thèmes comme la nostalgie, le déclin d’une époque, l’amitié, la loyauté, et l’importance de la mémoire. À travers l’histoire de l’hôtel, qui autrefois symbolisait la grandeur et l’élégance, mais qui est désormais en ruine, Anderson dépeint une mélancolie face à un monde qui change.

Gustave H. incarne cette figure d’un passé révolu : il représente le raffinement, l’élégance et la courtoisie d’une époque qui s’efface. Le personnage de Zéro, quant à lui, est un réfugié, symbole des bouleversements politiques et sociaux de cette époque. Ensemble, ils forment une paire dépareillée, mais profondément attachante.

Distribution et performances

Le film se distingue également par un casting exceptionnel, avec de nombreux acteurs connus dans des rôles mémorables. Outre Ralph Fiennes, qui livre une performance exubérante et drôle dans le rôle de Gustave, on retrouve Saoirse Ronan, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Jude Law, Bill Murray, et Edward Norton, pour n’en nommer que quelques-uns. Chaque acteur apporte une touche particulière à l’univers loufoque et mélancolique du film.

Réception et impact

« The Grand Budapest Hotel » a été acclamé par la critique pour son esthétique, sa mise en scène précise, et sa capacité à mélanger l’humour absurde avec des moments plus sombres et introspectifs. Le film a remporté plusieurs prix prestigieux, dont quatre Oscars, pour la meilleure direction artistique, les meilleurs costumes, le meilleur maquillage et la meilleure musique originale (signée par Alexandre Desplat).

En résumé, « The Grand Budapest Hotel » est un hommage nostalgique à une époque révolue, porté par le style visuel unique de Wes Anderson, un sens de l’humour absurde et une réflexion douce-amère sur le temps qui passe et le changement. C’est un film qui enchante par sa forme tout en touchant par son fond, un équilibre délicat que peu de réalisateurs parviennent à atteindre avec autant de succès.

La sélection du Chacal

J’ai rencontré le Diable

 

 

« J’ai rencontré le Diable » (titre original : « I Saw the Devil ») est un film sud-coréen réalisé par Kim Jee-Woon, sorti en 2010. Ce thriller violent et intense est souvent qualifié de néo-noir et fait partie des films les plus sombres du cinéma coréen. Voici un résumé et quelques détails sur ce film :

Synopsis

Le film raconte l’histoire de Soo-hyun (joué par Lee Byung-hun), un agent secret dont la fiancée, Joo-yeon, est brutalement assassinée par un tueur en série particulièrement sadique, Kyung-chul (incarné par Choi Min-sik, célèbre pour son rôle dans Oldboy). Dévasté par la perte, Soo-hyun décide de traquer le meurtrier et de se venger, mais plutôt que de le tuer immédiatement, il va orchestrer un jeu de vengeance cruel et psychologique. Il capture Kyung-chul, le torture et le libère à plusieurs reprises, dans un cycle infernal de châtiments.

Thèmes

Le film explore les thèmes de la vengeance, de la morale, et de la violence, tout en questionnant les limites de l’humanité et du bien et du mal. Soo-hyun, dans sa quête de vengeance, commence à perdre peu à peu son humanité, et le film pousse le spectateur à se demander si la quête de justice justifie les moyens.

Réception

J’ai rencontré le Diable a reçu des critiques très positives pour ses performances d’acteurs (notamment celles de Choi Min-sik et Lee Byung-hun), sa réalisation stylisée, et son traitement impitoyable de la vengeance. Cependant, le film a également été critiqué pour sa violence extrême, certains spectateurs et critiques le trouvant difficile à regarder.

Réalisation et Style

Kim Jee-Woon est connu pour son talent à travers différents genres de cinéma, et dans J’ai rencontré le Diable, il parvient à marier des éléments de thriller, d’horreur, et de drame. Le film est visuellement soigné, avec des séquences qui oscillent entre le macabre et le poétique, créant une tension qui ne lâche jamais le spectateur.

Influence et Impact

Le film est souvent comparé à d’autres œuvres du cinéma sud-coréen qui traitent de la vengeance, comme Oldboy de Park Chan-wook. Il s’inscrit dans cette tradition de thrillers coréens sombres, avec des récits brutaux mais réfléchis qui interrogent la moralité humaine.

En résumé, J’ai rencontré le Diable est un film puissant, mais très violent, qui pose des questions complexes sur la vengeance et la justice, tout en offrant une performance mémorable de Choi Min-sik dans le rôle du tueur en série machiavélique.

 

 

A voir ou à revoir

LES INFILTRÉS

 

 

Les Infiltrés (The Departed) est un thriller policier réalisé par Martin Scorsese, sorti en 2006. Ce film est une adaptation libre du film hongkongais Infernal Affairs (2002), réalisé par Andrew Lau et Alan Mak. Les Infiltrés se déroule à Boston et met en scène un jeu de dupes entre la police et la pègre, avec un casting exceptionnel qui inclut Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson et Mark Wahlberg.

Synopsis :

L’intrigue tourne autour de deux personnages principaux :

  • Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), un jeune policier sous couverture qui infiltre l’organisation criminelle de Frank Costello (Jack Nicholson).
  • Colin Sullivan (Matt Damon), un agent des forces de police, mais également une taupe infiltrée par Costello dans la police d’État de Boston.

Les deux hommes sont chargés de découvrir la taupe de l’autre camp, et au fil du film, la tension monte alors que chacun tente de dévoiler l’identité de l’autre avant d’être démasqué. La situation devient de plus en plus périlleuse alors que les deux infiltrés évoluent dans un univers de mensonge et de violence.

Thèmes et style :

Les Infiltrés explore des thèmes récurrents dans la filmographie de Martin Scorsese, tels que :

  • La dualité morale : Le film plonge profondément dans les notions de trahison, de loyauté et d’identité. Les personnages de Sullivan et Costigan sont tous deux en conflit avec leur véritable nature, coincés dans un monde où les frontières entre le bien et le mal sont floues.
  • L’identité et la corruption : Chacun des personnages principaux joue un rôle de faux-semblant, vivant dans une duplicité constante qui les épuise mentalement et physiquement.
  • La violence : Comme dans d’autres films de Scorsese, la violence est omniprésente et brutale, une force inévitable qui façonne la vie des personnages. Les scènes sont souvent crues et brutales, renforçant l’atmosphère oppressante du film.

Le film est également marqué par son style de réalisation nerveux, typique de Scorsese, avec des montages rapides, des angles de caméra dynamiques, et une bande sonore rock marquée, incluant des morceaux des Rolling Stones, notamment « Gimme Shelter ». Ce style contribue à maintenir une tension constante tout au long du film.

Réception :

Les Infiltrés a reçu un accueil critique extrêmement positif et a été un succès commercial. Le film est souvent considéré comme l’un des meilleurs thrillers policiers du cinéma moderne et un des sommets de la carrière de Scorsese. En 2007, Martin Scorsese a remporté son premier Oscar du meilleur réalisateur pour ce film, après de nombreuses nominations infructueuses tout au long de sa carrière. Le film a également remporté l’Oscar du meilleur film, de la meilleure adaptation (scénario de William Monahan), et du meilleur montage.

La performance des acteurs a été largement saluée, notamment celle de Leonardo DiCaprio et de Matt Damon pour leurs rôles tendus et psychologiquement complexes. Jack Nicholson, dans le rôle du criminel sadique Frank Costello, livre une performance déjantée et effrayante, imprégnée d’humour noir, tandis que Mark Wahlberg est particulièrement mémorable dans un rôle secondaire qui lui a valu une nomination à l’Oscar.

Distinctions :

Aux Oscars 2007, Les Infiltrés a remporté quatre statuettes :

  • Meilleur film,
  • Meilleur réalisateur (Martin Scorsese),
  • Meilleur scénario adapté (William Monahan),
  • Meilleur montage (Thelma Schoonmaker).

Le film a également été récompensé lors de nombreuses autres cérémonies, consolidant ainsi son statut de classique moderne.

Conclusion :

Les Infiltrés est un thriller policier tendu, intelligent et brutal, marqué par des performances exceptionnelles et une réalisation magistrale. Avec ce film, Martin Scorsese signe un retour en force dans le genre du crime qu’il a contribué à redéfinir tout au long de sa carrière. Les Infiltrés est non seulement un hommage au cinéma de gangsters, mais aussi une réflexion sur l’identité et la moralité dans un monde corrompu.

A voir ou à revoir

Body Double

 

 

Body Double est un thriller psychologique réalisé par Brian De Palma, sorti en 1984. Le film est souvent considéré comme un hommage et une relecture des classiques du suspense d’Alfred Hitchcock, notamment Fenêtre sur cour (Rear Window) et Sueurs froides (Vertigo). De Palma y mélange voyeurisme, manipulation, et fantasmes cinématographiques, créant un film stylisé et provocant qui est à la fois une satire d’Hollywood et un thriller érotique.

Synopsis :

Le film suit Jake Scully (Craig Wasson), un acteur de série B qui traverse une mauvaise passe après avoir perdu son rôle dans un film et découvert que sa petite amie le trompe. Alors qu’il est temporairement sans logement, il rencontre Sam, un collègue acteur, qui lui propose de garder son luxueux appartement. De cet appartement, Jake peut observer sa voisine Gloria (Deborah Shelton) qui danse sensuellement chaque nuit devant sa fenêtre. Intrigué, Jake devient obsédé par cette femme, et lorsqu’il assiste à son meurtre brutal, il se lance dans une enquête pour découvrir la vérité.

En chemin, Jake croise Holly Body (Melanie Griffith), une actrice pornographique qui semble étrangement liée à la victime. Peu à peu, il découvre une conspiration tordue qui mêle sexe, mensonge et meurtre.

Thèmes et style :

Brian De Palma utilise dans Body Double de nombreux éléments hitchcockiens, notamment le thème du voyeurisme, de la confusion entre réalité et illusion, et des personnages ordinaires pris dans des intrigues complexes et dangereuses. Le film est visuellement frappant, avec une utilisation audacieuse des couleurs, des mouvements de caméra sophistiqués et une bande sonore marquante, composée par Pino Donaggio.

Le voyeurisme est au cœur du film, avec Jake qui observe Gloria à travers un télescope, écho direct à Fenêtre sur cour. De Palma explore également les limites du fantasme et de la réalité, notamment à travers l’industrie du cinéma pornographique, représentée par le personnage de Holly Body. Il critique aussi la manière dont Hollywood exploite les corps, en particulier ceux des femmes.

Réception :

À sa sortie, Body Double a suscité la controverse en raison de son contenu sexuel explicite et de sa violence. Certains critiques ont salué la virtuosité technique de De Palma et son hommage à Hitchcock, tandis que d’autres l’ont accusé d’être trop stylisé et sensationnaliste. Le film a néanmoins acquis une solide base de fans au fil des années et est souvent considéré comme l’un des films cultes de Brian De Palma.

L’interprétation de Melanie Griffith, qui incarne une starlette du porno désinvolte mais complexe, a été particulièrement remarquée et lui a ouvert les portes de nombreux autres rôles à Hollywood.

En résumé, Body Double est un thriller élégant et controversé, typique du style visuel flamboyant de Brian De Palma, qui continue de diviser le public entre ceux qui y voient une œuvre de génie et ceux qui le trouvent trop outrancier.

Les sorties

VENOM 3 : THE LAST DANCE

 

 

« Venom 3: The Last Dance » est le troisième film de la franchise Venom, centré sur le personnage de Eddie Brock (interprété par Tom Hardy) et son alter ego symbiotique Venom, basé sur les personnages de Marvel. Le film est réalisé par Kelly Marcel, qui a également écrit les scénarios des deux premiers volets.

Contexte de « Venom 3: The Last Dance » :

Kelly Marcel prend pour la première fois les rênes de la réalisation après avoir été scénariste des deux premiers films. Le titre « The Last Dance » suggère que ce troisième volet pourrait marquer la fin de la trilogie de Venom et apporter une conclusion à l’arc narratif d’Eddie Brock et du symbiote.

Distribution :

  • Tom Hardy
  • Chiwetel Ejiofor
  • Temple Juno

Attentes :

Après le succès des deux premiers films (Venom et Venom: Let There Be Carnage), qui ont bien performé au box-office malgré des critiques mitigées, il y a de grandes attentes autour de ce troisième chapitre. Les fans espèrent aussi des connexions avec d’autres personnages Marvel, notamment des liens avec l’univers de Spider-Man ou même le multivers, surtout après les événements récents dans le MCU.

En résumé, « Venom 3: The Last Dance » s’annonce comme un film charnière pour le personnage, potentiellement chargé d’action et d’émotion, marquant peut-être la fin de l’aventure d’Eddie Brock sous les traits de Venom.

Sortie le 30 octobre 2024

 

 

 

 

Les sorties

Juré N°2

 

 

Le film « Juré n°2 » (« Juror #2 » en anglais) de Clint Eastwood est un film très attendu, notamment parce qu’il pourrait être le dernier long-métrage du célèbre réalisateur et acteur, qui a déjà 94 ans. Voici quelques informations clés sur ce film :

Intrigue :

L’histoire suit un juré, joué par Nicholas Hoult, qui se retrouve tiraillé par un dilemme moral alors qu’il sert lors d’un procès pour meurtre. Alors qu’il est censé évaluer les preuves pour rendre son verdict, il commence à suspecter qu’il pourrait être personnellement responsable de la mort de la victime. Il est alors confronté à une décision difficile : doit-il manipuler le jury pour éviter d’être découvert ou se dénoncer lui-même ?

Distribution :

  • Nicholas Hoult dans le rôle du juré principal.
  • Toni Collette joue le rôle de l’avocate du procès.

Contexte :

Clint Eastwood, qui a réalisé et joué dans d’innombrables films au cours de sa carrière, est surtout connu pour des œuvres comme Impitoyable (Unforgiven), Gran Torino ou encore American Sniper. Juré n°2 pourrait bien être son dernier film, ce qui lui confère une dimension particulière, tant pour les cinéphiles que pour l’industrie.

Ce film continue dans la lignée des drames psychologiques et moraux qu’Eastwood apprécie explorer, avec des dilemmes personnels profonds et une tension constante.

Sortie le 30 octobre 2024.

On vous explique

The Qatsi Trilogy

 

 

 

La Qatsi Trilogie est une série de trois films documentaires expérimentaux réalisés par Godfrey Reggio, avec la musique de Philip Glass. Les films n’ont ni dialogues ni narration, mais ils sont reconnus pour leur combinaison puissante d’images cinématographiques et d’une bande-son minimaliste et hypnotique.George Lucas mit la main au portefeuille pour produire les œuvres de Reggio , ainsi que Francis Ford Coppola. Chaque film traite de l’impact de la civilisation moderne et de la technologie sur l’environnement, les sociétés et les cultures humaines. Voici un aperçu des trois films :

1. Koyaanisqatsi: Life Out of Balance (1982)

  • Titre : Le mot Koyaanisqatsi provient de la langue Hopi et signifie « la vie déséquilibrée » ou « la vie en désordre ».
  • Thème : Ce film explore la relation entre la nature et la civilisation industrielle moderne. Il présente des images contrastées de paysages naturels, puis d’environnements urbains et industriels, soulignant l’impact destructeur de l’humanité sur l’environnement.
  • Bande-son : La musique de Philip Glass, répétitive et hypnotique, amplifie l’intensité des images.
  • Esthétique : Le film est célèbre pour ses séquences en accéléré (time-lapse) de paysages urbains et naturels, montrant à la fois la beauté et la destruction provoquée par la technologie moderne.

2. Powaqqatsi: Life in Transformation (1988)

  • Titre : Le mot Powaqqatsi signifie « vie en transformation » ou « parasitisme » dans la langue Hopi.
  • Thème : Ce film se concentre sur les cultures traditionnelles du tiers monde et la manière dont elles sont transformées par le processus de modernisation et d’industrialisation imposée par l’Occident. Il montre comment ces transformations affectent les sociétés locales, souvent avec des conséquences dévastatrices.
  • Bande-son : Plus centrée sur des influences musicales globales, la partition de Philip Glass utilise des chants et des rythmes ethniques, en adéquation avec les scènes représentant des cultures non occidentales.

3. Naqoyqatsi: Life as War (2002)

  • Titre : Naqoyqatsi signifie « la vie en guerre » ou « une vie violente », toujours en langue Hopi.
  • Thème : Ce film aborde l’omniprésence de la technologie et des médias dans la société contemporaine. Il met en lumière le passage de l’analogique au numérique et explore les effets aliénants de la virtualisation de la réalité. À travers des images manipulées numériquement, il examine la façon dont la guerre, la technologie et les médias façonnent nos perceptions.
  • Bande-son : Philip Glass utilise des éléments électroniques et des voix numériques dans la bande-son, ce qui correspond au thème du numérique et de la virtualité.

Impact culturel et artistique

Les films de la Qatsi Trilogie sont considérés comme des œuvres avant-gardistes qui fusionnent l’art visuel et musical pour explorer des thèmes profonds sur l’état de la civilisation humaine. Sans dialogues, ils laissent place à l’interprétation personnelle, tout en délivrant un puissant message sur la fragilité de l’équilibre entre l’homme, la nature et la technologie.

Biographie et carrière

  • Formation et engagement social : Reggio a une jeunesse peu conventionnelle. Il a grandi à La Nouvelle-Orléans, en Louisiane, et à l’âge de 14 ans, il entre dans l’ordre religieux chrétien des Frères des Écoles chrétiennes. Il y passe 14 ans, une période pendant laquelle il vit dans le silence et le dévouement, développant une profonde réflexion sur la nature de la société et du monde. Pendant ces années, il s’implique aussi dans des initiatives sociales et activistes, notamment pour aider les sans-abri et lutter contre l’injustice sociale.
  • Activisme et technologie : Avant de se lancer dans le cinéma, Reggio a travaillé dans des mouvements de défense des droits civils et a fondé plusieurs organisations à but non lucratif. Sa critique de la société moderne, en particulier en ce qui concerne l’impact de la technologie sur l’humanité, se reflète dans son œuvre cinématographique. Il a toujours exprimé des préoccupations concernant la sur-technologisation et l’industrialisation excessive qui, selon lui, aliènent les êtres humains et endommagent leur relation avec la nature.

Ces films ont eu une grande influence sur le cinéma expérimental et la culture visuelle contemporaine, notamment grâce à leur approche unique du rythme visuel et sonore.

La sélection du Chacal

Undercover : Une Histoire Vraie

 

 

« Undercover : Une Histoire Vraie »( « White Boy Rick » ) (2018), réalisé par Yann Demange , est un drame policier  basé sur l’histoire vraie de Richard Wershe Jr. , connu sous le nom de « White Boy Rick ». Le film explore la vie d’un adolescent qui est devenu le plus jeune informateur du FBI de l’histoire lors de l’épidémie de drogue à Détroit dans les années 1980.

Résumé de l’intrigue :

L’histoire se déroule dans les années 1980 à Détroit, à une époque où la ville était aux prises avec une épidémie de crack et un taux de criminalité élevé. Le personnage principal, Richard Wershe Jr. (interprété par Richie Merritt), est un jeune de 14 ans qui s’implique dans le monde du trafic de drogue. Sous la pression du FBI, il devient informateur et les aide à infiltrer le trafic de drogue local.

Thèmes :

  • Corruption et exploitation : Le film montre comment des institutions comme le FBI ont exploité un adolescent vulnérable, l’utilisant à leur profit sans se soucier des conséquences à long terme de leurs actes.
  • Family Dynamics : À la base, White Boy Rick est également un drame familial, se concentrant sur la relation tendue entre Rick et son père, alors qu’ils tentent de donner un sens à leur place dans un monde dominé par le crime et la pauvreté.
  • Inégalités systémiques : Le film critique le système judiciaire, soulignant comment le jeune Rick a été abandonné à la fois par le système judiciaire et par les forces de l’ordre après avoir été utilisé.

Direction et style :

Yann Demange, connu pour son travail sur ’71 (2014), apporte un style réaliste , capturant la tristesse de Détroit dans les années 1980. Son utilisation de lieux authentiques et l’accent mis sur les performances naturelles confèrent au film une sensation immersive, presque documentaire.

Réception:

White Boy Rick a reçu des critiques mitigées à positives. Alors que les critiques ont loué les performances, en particulier le portrait du père de Rick par Matthew McConaughey, et le réalisme brut du film, certains ont estimé que le rythme narratif était inégal. Néanmoins, le film se démarque comme un drame policier convaincant avec une touche socialement consciente.

Controverse réelle :

Richard Wershe Jr., le véritable « White Boy Rick », a été condamné à la prison à vie pour son rôle dans le trafic de drogue, malgré son statut d’informateur du FBI. Son cas est devenu un symbole d’injustice, notamment en raison de la sévérité de sa peine par rapport à son âge et du rôle du FBI dans ses activités criminelles. Il a finalement été libéré en 2020 après avoir purgé plus de 30 ans de prison.

 

 

 

La sélection du Chacal

THE HOUSE THAT JACK BUILT

 

 

 

The house that Jack Built (2018) est un film d’horreur psychologique réalisé par Lars von Trier. Connu pour son style cinématographique provocateur et controversé, von Trier repousse les limites avec ce film qui mélange humour noir, thèmes existentiels et violence extrême.

Résumé de l’intrigue :

Le film suit la vie de Jack, un tueur en série très intelligent mais psychopathe, interprété par Matt Dillon. Se déroulant sur une période de 12 ans, le film est divisé en cinq incidents, chacun représentant un meurtre horrible ou une série de meurtres. À travers les yeux de Jack, le public est exposé à sa nature obsessionnelle et méthodique alors qu’il tente de commettre le meurtre « parfait », considérant ses meurtres comme une forme d’art.

Le voyage de Jack est raconté à travers ses conversations avec un mystérieux personnage nommé Verge (Bruno Ganz), qui sert à la fois de guide et de contrepoids moral. Les discussions entre Jack et Verge abordent des sujets philosophiques tels que la moralité, la souffrance et la nature du mal, faisant du film autant une exploration psychologique qu’un récit de violence.

Thèmes :

  • La violence comme art : Jack considère le meurtre comme une démarche artistique. Ce thème interroge les frontières entre art et monstruosité, que von Trier a souvent explorées dans son travail.
  • Misanthropie et nihilisme : Le film est rempli de la vision du monde nihiliste et misanthrope caractéristique de von Trier, soulevant de sombres questions sur la nature humaine et la moralité.
  • Existentialisme : À travers le personnage de Verge, il y a des références à la littérature classique et à la Divine Comédie de Dante , en particulier sa représentation de l’Enfer, qui met en parallèle la descente éventuelle de Jack.
  • Humour noir : Malgré sa brutalité, le film contient également des moments d’humour noir et absurde, compliquant encore davantage son ton.

Controverse:

Le film a été présenté en avant-première au Festival de Cannes en 2018 et a immédiatement divisé le public. Beaucoup ont démissionné en raison des représentations graphiques de la violence, en particulier contre les femmes et les enfants. Cependant, il a également reçu des éloges pour son audace, ses performances et la profondeur philosophique derrière son horreur.

Casting:

  • Matt Dillon 
  • Bruno Ganz 
  • Uma Thurman 
  • Siobhan Fallon

Approche visuelle et stylistique :

Lars von Trier utilise son style caractéristique en mélangeant un contenu dérangeant avec une présentation hautement artistique, presque surréaliste. La violence, bien qu’explicite, est souvent juxtaposée à la musique classique, aux références artistiques et aux métaphores cinématographiques. L’acte final du film plonge dans une représentation visuelle de l’Enfer, remplie d’images saisissantes et symboliques.

Réception:

Le film était polarisant. Certains l’ont salué comme un chef-d’œuvre qui défie les frontières du cinéma, tandis que d’autres l’ont critiqué comme étant gratuit et sadique. Il s’agit d’une œuvre profondément controversée, typique de la filmographie de von Trier, qui a toujours suscité de vives réactions.

The House That Jack Built  n’est pas pour les âmes sensibles, mais pour ceux qui s’intéressent à l’horreur philosophique et au cinéma provocateur, elle offre une expérience cinématographique unique, quoique dérangeante.

A voir ou à revoir

GHOST DOG

 

 

Ghost Dog : The Way of the Samurai (1999), réalisé par Jim Jarmusch , est un mélange unique de philosophie samouraï, de drame policier et de solitude urbaine. Mettant en vedette Forest Whitaker comme personnage principal, il combine des éléments de l’ancien code des samouraïs avec le monde des gangsters modernes, créant un film de gangsters méditatif et non conventionnel.

Synopsis :

L’histoire suit Ghost Dog , un tueur à gages afro-américain qui vit selon l’ancien Bushido , ou la voie des samouraïs. Il travaille comme assassin pour un petit gangster italo-américain nommé Louie, qui lui a autrefois sauvé la vie. Ghost Dog considère Louie comme son maître et vit selon le code de loyauté absolue des samouraïs, malgré le fait que Louie soit une figure moralement ambiguë. Alors que Ghost Dog se bat pour sa survie, il reste attaché à son code philosophique, naviguant dans la loyauté, l’honneur et la solitude dans un monde qui ne comprend ni ne respecte son mode de vie.

Le style de Jarmusch dans Ghost Dog

  1. Rythme lent et méditatif : Comme dans de nombreux films de Jarmusch, Ghost Dog avance à un rythme lent et contemplatif. L’action est ponctuée de moments de réflexion tranquille, souvent accompagnés de la lecture de passages du Hagakure . Jarmusch permet aux scènes de respirer, créant un espace pour la réflexion philosophique plutôt que de se concentrer sur une narration conventionnelle basée sur l’intrigue.
  2. Dialogue et humeur minimalistes : Ghost Dog a un script minimaliste, une grande partie de la communication se faisant par des gestes, des regards ou un symbolisme plutôt que par des mots. Le film s’appuie sur l’ambiance, l’atmosphère et le silence pour transmettre la vie intérieure de ses personnages, en particulier Ghost Dog lui-même, qui parle peu et agit à travers ses mouvements précis et rituels.
  3. Personnages décalés : Typique du style de Jarmusch, Ghost Dog met en scène des personnages excentriques, depuis les mafieux maladroits et vieillissants jusqu’au vendeur de glaces haïtien qui communique avec Ghost Dog à travers leur amour commun pour la crème glacée, malgré la barrière de la langue. Ces personnages apportent une touche d’humour noir et d’absurdité à un récit par ailleurs sérieux.
  4. Le milieu urbain en tant que personnage : Le film se déroule dans un environnement urbain en décomposition qui semble presque intemporel, détaché de tout lieu ou époque spécifique. Les rues sont vides, les bâtiments délabrés et les personnes rencontrées par Ghost Dog semblent perdues ou piégées dans ce paysage désolé. La ville reflète la solitude de Ghost Dog, servant de toile de fond à son voyage intérieur.

Éléments notables

  • Performance de Forest Whitaker : La représentation de Ghost Dog par Whitaker est subtile, intense et méditative. Son physique, son attitude calme et sa détermination tranquille capturent l’essence d’un samouraï des temps modernes perdu dans la mauvaise époque.
  • Bande originale de RZA : La musique de RZA du Wu-Tang Clan joue un rôle crucial dans l’ambiance du film. Le mélange d’instruments traditionnels japonais et de rythmes hip-hop reflète la fusion culturelle et philosophique au cœur du film.
  • Fondements philosophiques : Le film est plus une méditation sur la vie, la mort et l’honneur qu’une histoire de crime conventionnelle. Jarmusch utilise l’adhésion de Ghost Dog au code des samouraïs pour explorer les thèmes de l’existentialisme, s’interrogeant sur ce que signifie vivre une vie déterminée dans un monde qui semble sans direction.

Héritage

Ghost Dog : La Voie du Samouraï est devenu un classique culte en raison de son mélange de genres, de sa profondeur philosophique et de son approche stylistique unique. Il a influencé à la fois les cinéastes et la culture hip-hop, notamment grâce à son utilisation innovante de la musique et à l’intersection des mondes anciens et modernes.

Essentiellement, Ghost Dog est un poème cinématographique sur la loyauté, l’honneur et la lutte pour trouver un sens dans une jungle urbaine où ces valeurs semblent obsolètes. C’est un film qui défie toute catégorisation facile, mêlant les sensibilités indépendantes de Jarmusch avec des éléments de la tradition des samouraïs, des films de gangsters et de la culture hip-hop pour créer quelque chose d’entièrement original.